Edvard Munch, le peintre le plus célèbre de Norvège, en particulier pour l’œuvre emblématique “The Scream”, aurait eu des problèmes de dépression, d’anxiété et de troubles bipolaires. Il a connu plusieurs tragédies majeures au début de sa vie, sa mère et sa soeur mourant de tuberculose à l’âge de 5 et 14 ans respectivement; un autre frère est décédé peu après son mariage et une autre sœur a eu des problèmes de santé mentale. Ces traumatismes ont clairement affecté les thèmes sombres de son œuvre au cours de sa période artistique la plus connue, avec ses figures maigres et teintées de mort.
La durée de vie de Munch jette un pont entre les évolutions cataclysmiques, du victorianisme au modernisme, tout comme sa version unique de l’expressionnisme. Sa période de fin de siècle la plus féconde et sans doute la plus visionnaire, la série «Frise de la vie», décrit de façon presque caricaturale les angoisses les plus sombres de la psyché humaine. La franchise en soi est une déclaration dévastatrice; Le Cri est cette icône littéralement explosive de l’angoisse moderne, avant que de telles expressions littérales n’existent. Malheureusement, il a implosé dans son propre impact; Le modernisme post-post-ironique a fait du Scream un «héros» du nihilisme, involontairement hilarant, auquel nous sommes tous devenus insensibles en cette ère de longue durée de vie et de vie rapide et facile d’accès. Mais quand le Cri est apparu pour la première fois, ce n’était pas une question de rire.
Une rétrospective MOMA du travail de Munch a eu lieu en 2006, en accord avec la chronologie du développement de Munch, parallèlement à la conscience historique elle-même. Ce récit de peintures a apporté de nouvelles idées que je n’ai pas remarquées en voyant un tableau varié de ses chefs-d’œuvre et dessins dans le Munch Museet et la National Gallery d’Oslo, en Norvège, en 1996. À Oslo, les horreurs de l’âme et les désirs torturés. Le célèbre Scream original s’est assis dans une salle d’autres peintures aléatoires dans une petite pièce digne; L’œuvre emblématique était recouverte d’un verre épais et d’un vieux cadre. Il avait été récemment ramené du pays des voleurs et semblait encore plus étouffé et piégé derrière les pièges rigides. Pour ne pas être en reste, les voleurs ont finalement volé un autre exemplaire du Munch Museet en 2006, qui a été retrouvé deux ans plus tard.
Dans le grand espace blanc de MOMA, les peintures semblaient étrangement perdues et pourtant tout à fait intéressantes parce que, encore une fois, la qualité de transition de son style se répercutait de manière intéressante que Munch n’aurait jamais pu imaginer, tout comme le destin du Scream. Il y avait des débuts dans les techniques impressionnistes, même le pointillisme de style Seurat au début de la vingtaine, des scènes placides de l’époque victorienne et des portraits peints même avec une certaine impatience et une instabilité de ligne, comme si le déphasage commençait déjà à trembler. indices établis. Rapidement, dans les années 1890, son style de marque a éclaté, les figures maculées, presque Goya, se sont aplaties dans sa propre ménagerie scandinave de symboles. Des scènes douloureuses et traumatisantes de son enfance et des échecs romantiques se sont répandus sur de grandes toiles. Shadowy, mystique, symboliste et totémique, mais aussi étonnamment évident et ouvert. Le film d’horreur moderne commence ici avec des images crâniennes de la mort; les deux scènes vraies de sa sœur mourante et de sa mère et des scènes de fantômes de gens au hasard dans les villes, les maisons rurales, les forêts, pas d’échappatoire au Grim Reaper. Le spectre du long hiver froid imprègne même les brefs aperçus du soleil et de la vie potentielle dans une peinture d’un jeune couple d’agriculteurs, faite de couleurs venant du crépuscule et du crépuscule, ou d’une jeune fille chantant au bord d’un lac éclairé par la lune. Les scènes d’amour sont criblées de nostalgie, les visages s’éloignent les uns des autres. Les femmes sont toujours représentées dans divers états figuratifs; fantomatique, rêveur, innocent ou vampirique. Ils sont toujours éphémères, disparaissent, mais leurs empreintes sont vives, plus grandes que la vie.
Munch a été hospitalisé pour une dépression nerveuse vers 1908. Son art post-panne, bien que considéré comme moins célèbre et visionnaire que son œuvre de la Frise de la vie, est fascinant à observer dans son évolution au 20ème siècle. Les coups sont devenus plus fragmentaires, hésitant, comme s’il avait atteint une nouvelle fréquence énergétique. Les couleurs sont devenues nettement plus lumineuses, plus optimistes. Ses sujets avaient tendance à être des scènes de la nature ou des portraits de tous les jours. Il a dépassé le trou noir, la densité intense de son «adolescence» tragique en un nouvel état d’esprit brisé et scintillant. Ses autoportraits reflétaient ce voyage, allant au-delà des intrigues obscures intriguantes de son travail précédent, pour s’ouvrir à des visions franches dans Hell, puis à des rendus plus matures et plus sains. Son dernier autoportrait était son dernier chef-d’œuvre, un résumé de la résidence de son artiste et, à son tour, toute sa carrière, une pièce brillante et jaune, étroite et profonde, où il se tient au milieu, vieux mais inébranlable. style de marque, face au téléspectateur tout en allant au-delà, comme la fille de la voix.
Au milieu d’une douleur et d’une mort intenses et de ses propres problèmes de santé mentale et d’alcoolisme, Munch a réussi à survivre avec une certaine renommée en tant qu’artiste de longue date, réussissant même à défier le rideau nazi. La survie engendre sa propre déclaration. Il a ouvert la porte à l’ère moderne et, au lieu de Pandore’s Box, il a trouvé la lumière blanche de l’évolution personnelle.
