Comment j'agis les acteurs

Source: Pixabay, CC0 Public Domain

Beaucoup de stratégies et de tactiques que j'utilise dans les entraîneurs peuvent être utiles aux entraîneurs de toutes sortes ainsi qu'aux conseillers, aux gestionnaires et aux leaders.

Ces idées peuvent également être utiles à toute personne qui doit donner une conférence, même une courte présentation lors d'une réunion du personnel ou un toast au mariage d'un ami.

Voici mes plus importants principes et techniques.

Jauge la tolérance de l'acteur pour la quantité d'entrée. Certains acteurs ont besoin de beaucoup de commentaires et même de critiques. D'autres rapidement seraient découragés. Soyez attentif à la façon dont ils réagissent à la rétroaction et ajustez-les en conséquence.

• Blâmer la victime
• La psychologie n'est pas immunisée contre un problème de Harvey Weinstein
• Est-ce que vous faites face à ces problèmes communs dans le bonheur et les habitudes?
• Les barrières empêchent les soldats de demander de l'aide psychologique
• Outil pour vous aider à défier vos croyances et à changer votre vie

Jauge leur tolérance pour l'intensité. Dans un monde idéal, l'acteur voudrait passer toute la séance de coaching à travailler sur ce qui est difficile mais nécessaire. Mais de nombreux acteurs ont besoin d'être adoucis, par exemple, alterner dur avec des parties faciles et beaucoup de plaisanteries entrecoupées tout au long de la leçon ou de la répétition.

Donner la permission d'être pleinement expressif. Dans la vraie vie, nous sommes censés être contraints. Ainsi, les acteurs peuvent avoir besoin de la permission d'être aussi pleinement expressifs dans la voix et le corps que cela est approprié pour leur caractère.

Construire un personnage. La première chose à préparer pour une audition ou un rôle est de ressentir ce que ce personnage doit être. Le scénario nous en dit beaucoup mais il y a de la place pour l'acteur, avec les conseils de l'entraîneur, pour faire des choix qui rendront le personnage mémorable.

• Surprise! Il y a de la valeur dans le gaspillage du temps, de l'énergie et de l'argent
• Écoute au laser: prêter attention de l'intérieur, partie 3
• La logique de la cessation du tabagisme
• Combien devriez-vous prendre soin de votre avenir? Ça dépend.
• Différentes façons de dire "je t'aime"

Et la mémorabilité est la clé, même dans un petit rôle. Il ne suffit pas que le public se connecte au personnage lorsqu'il est sur scène. Le but devrait être qu'après la représentation, peut-être longtemps après, ce personnage reste en mémoire – une source de joie, de tristesse ou de méditation.

Pour aider mon acteur à construire un personnage mémorable, je commence souvent par lui demander de lire son rôle et ensuite d'écrire une biographie émotionnelle d'une page du personnage. Ensuite, je peux demander à l'acteur d'imaginer quel animal correspond le mieux au personnage: un jeune léopard, un vieux golden retriever, peu importe. La physique peut conduire à des réactions authentiques.

A partir de là, je demande généralement, "Comment ce personnage pourrait-il faire sa première entrée pour être mémorable: Comment se déplacerait-il? Tenez-vous? Parler? Respirer?"

Une fois que la fondation pour le personnage est établie, il / elle peut changer à partir de là – La plupart des personnages dans la plupart des scripts changent au cours de la pièce. Les personnages sont beaucoup plus intéressants s'ils changent – par exemple, ils se désagrègent, puis grandissent, ou grandissent, se désintègrent, puis grandissent encore plus haut.

Construire sur les forces. Par exemple, si mon acteur émigre facilement, je l'encourage généralement à construire un personnage qui émet beaucoup. Si ce n'est pas le cas, je leur demanderai de créer leur personnage pour qu'il soit dans ses sentiments – il / elle doit ressentir les émotions sans les forcer à être apparentes ou il les interprétera comme fausses.

Par défaut à leur personnalité naturelle. Même de nombreux acteurs professionnels jouent principalement leur vie réelle. C'est la façon la plus simple d'être authentique. Il est beaucoup plus difficile de créer un personnage très différent de votre moi naturel.

Pas d'action. Seulement réagir . Essayer d'agir triste, heureux, drôle, tout ce qui apparaîtra faux. Votre travail consiste à réagir à tout ce qui est dit et se produit sur scène. Cela signifie simplement être pleinement présent. La seule différence est que dans le théâtre vivant, pour que le public au-delà des premières rangées puisse vous connaître, vous devez légèrement amplifier vos réactions naturelles. Mais trop et cela semblera faux – même dans une farce.

Ce n'est qu'en dernier recours que l'entraîneur doit démontrer. Si je démontre ce que je pense qu'un acteur devrait faire, c'est démoralisant et s'il essaie de m'imiter, il sera probablement faux. Donc, à moins que vous sachiez que votre acteur fait mieux avec une démo, essayez d'abord de donner votre avis de manière à ce que l'acteur soit quelque chose plutôt que d'agir. Par exemple, "Essayez de ne pas agir, réagissez honnêtement à ce qui vient de se passer sur scène." Ou "Que pensez-vous que votre personnage ressent en ce moment?" Ou "Que veut votre personnage maintenant?" essayer une autre approche? C'est le moment d'expérimenter. »Le plus souvent, je dis simplement:« Essayez à nouveau ». Cela responsabilise l'acteur et souvent, ils vont trouver quelque chose qui fonctionne et qu'ils vont se sentir bien.

Volume et énonciation. Vous pouvez faire un magnifique travail d'acteur mais si vous n'êtes pas assez fort et assez clair, c'est pour rien, surtout dans un jeu en direct, où l'acoustique peut rendre l'audition difficile et surtout parce que les jeux attirent une foule plus âgée. ne pas être ce que c'était. Même si une ligne doit être chuchotée, les acteurs utilisent un chuchotement à haute voix.

Donc, dès la première session de coaching, j'insiste pour que l'acteur parle fort et énonce clairement. C'est vrai même s'il est miked: Si l'opérateur sonore peut garder le volume plus bas, il / elle aura l'air plus naturel. Et que ce soit ou non, l'énonciation claire est essentielle.

Accélérer le rythme. Beaucoup de mauvais acteurs parlent plus lentement que dans la vraie vie. Ils le font parce qu'ils veulent que le public «comprenne» ce qu'ils disent, parce qu'ils pensent que c'est plus dramatique, ou parce qu'ils sont mal à l'aise dans leurs lignes.

Bien sûr, il y a des moments pour ralentir, même pour permettre le silence afin que l'acteur puisse traiter quelque chose d'important qui vient de se produire sur scène mais, en général, tout en gardant le plein contenu émotionnel de ce qui se passe. les mauvais acteurs pensent. Une exception pourrait être le langage et les idées difficiles à comprendre – certaines de Shakespeare et de Stoppard, par exemple.

Conserver la perspective La plupart des gens de qualité prennent leur travail très au sérieux. Et jusqu'à un certain point, c'est excellent. Mais rappelez-vous que la plupart du travail, y compris dans l'action, n'est pas la vie et la mort. Garder la perspective peut vous éviter, à vous et à votre acteur, d'être si investi que trop de tristesse ou de colère s'accumulent.

La biographie de Marty Nemko est sur Wikipedia. Son nouveau livre, son 8ème, est le meilleur de Marty Nemko.