Suppression de l’expression

Vous ne pouvez pas «jouer avec sentiment» quand tout ce que vous ressentez est effrayé.

Source: Eric Bridiers / Flickr Creative Commons

Beaucoup d’acteurs, confrontés à un nouveau rôle, se seraient posés des questions: «Quelle est ma motivation ?”

En outre, il est facile d’imaginer un chef d’orchestre qui, après avoir entendu une performance moins que stimulante de la part de l’ensemble avant lui, implore «Nous allons le refaire, mais cette fois-ci avec émotion !

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Ces vignettes soulignent des principes extrêmement importants dans les arts de la scène. Premièrement, les raisons ou les motivations de l’artiste interprète ou exécutant de donner une performance détermineront en grande partie son succès. Deuxièmement, le succès de la performance dépend en définitive de son expression ou de son sentiment.

Les musiciens aimeraient assister à toutes les performances avec l’objectif singulier de donner leur expression la plus sincère afin que le public soit affecté émotionnellement par la musique. Ceci, cependant, est beaucoup plus facile à dire qu’à faire. Contrairement aux plans qu’ils ont lorsqu’ils sont loin de la salle de spectacle, la seule émotion que les musiciens ressentent dans une performance est la terreur, alors que le trac se fait sentir. En raison de la relation qui existe entre la motivation et les émotions de la performance, les musiciens peuvent accomplir beaucoup en examinant les procédures de préparation de la performance et ce qui les pousse à travailler avant une représentation publique. À vrai dire, il existe probablement un certain nombre de pratiques très courantes chez les musiciens qui entravent la communication expressive et même favorisent l’anxiété de performance.

Beaucoup de musiciens ne commencent à penser au trac que lorsqu’une performance est imminente. Même s’ils ont passé des mois à se préparer pour un grand spectacle ou un concert, la gestion de l’anxiété peut devenir une considération préalable à la performance lorsque la performance est suffisamment proche pour que les symptômes commencent à se faire sentir. Dans de nombreux cas, à ce stade, il est déjà trop tard pour que les musiciens fassent quoi que ce soit pour contrer l’anxiété susceptible de nuire à la qualité des performances.

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Si vous passez des jours, des semaines ou des mois à vous préparer pour un spectacle avec un certain état d’esprit, il est évident que cet état d’esprit sera probablement celui que vous avez lorsque vous montez sur scène. C’est un principe bien accepté en athlétisme qui s’applique également aux arts de la scène: vous jouez comme vous pratiquez . En fait, en matière de motivation et d’anxiété liée à la performance, les artistes sportifs sont sensiblement les mêmes que ceux de musique.

Cela peut devenir particulièrement problématique pour les musiciens s’ils s’appuient trop sur une performance imminente pour les motiver à la pratique. Pour certains, ce qui les pousse à consacrer le temps nécessaire à la pratique, c’est de se rappeler qu’ils vont bientôt monter sur scène avec de nombreux yeux et oreilles concentrés sur eux. Peut-être pensent-ils qu’ils doivent s’entraîner pour ne pas s’embarrasser devant toutes ces personnes. Ces musiciens agissent comme si la peur d’une mauvaise performance était le meilleur facteur de motivation pour se faire effectuer le travail et se préparer pour éviter une mauvaise projection. Mais la recherche montre clairement que la motivation pour éviter une mauvaise performance n’est PAS la même chose que la motivation pour donner une bonne performance .

Parmi les musiciens qui sont principalement motivés par l’évitement de la gêne publique, les psychologues pourraient dire qu’ils sont orientés vers un objectif lié à l’ego (Maehr, Pintrich et Linnenbrink, 2002). Les artistes interprètes ayant cette orientation sont particulièrement préoccupés par la manière dont leur musicalité sera jugée par d’autres. Les musiciens en herbe peuvent apprendre à considérer les performances comme une opportunité de se faire connaître, en partie en s’affirmant mieux que les autres (Schmidt, 2005). Pour des musiciens ayant ce type d’orientation, un concert ou un récital imminent peut en effet être un puissant facteur de motivation pour mettre en pratique et améliorer leurs compétences afin de donner à un public une performance impressionnante.

Il y a cependant un sérieux inconvénient. Les artistes interprètes dont l’orientation est axée sur l’ego sont beaucoup plus exposés à l’anxiété liée à la performance, à l’épuisement professionnel et au manque général de bien-être dans leur vie (Grossbard et al., 2007). Les interprètes se placent dans la meilleure position pour réussir sur scène lorsqu’ils fixent leurs objectifs en fonction de ce qu’ils veulent accomplir et non de ce qu’ils veulent éviter. Et il vaut mieux définir vos objectifs en fonction de votre tâche de performance musicale (que vous pouvez contrôler) plutôt que de la manière dont elle est reçue par les membres de l’auditoire (que vous ne pouvez pas contrôler). Par exemple, il est préférable que votre objectif soit de donner une performance expressive (de votre propre jugement) plutôt que d’impressionner le public. En fait, une orientation d’objectif impliquant une tâche est généralement considérée comme l’alternative à une orientation impliquant un ego.

De plus, lorsqu’il s’agit de fixer des objectifs en matière de performance, le principal problème est souvent la nature de vos objectifs plutôt que l’intensité avec laquelle vous les poursuivez. En d’autres termes, toutes les passions ne sont pas créées égales. Les musiciens avec une passion obsessionnelle sont motivés par des pressions incontrôlables. Ils ressentent une impossibilité ingérable de participer à leurs activités musicales, même au détriment d’autres domaines de la vie importants (par exemple, la famille, les relations personnelles) et leur santé physique et mentale. Il n’est donc pas surprenant que les musiciens passionnés obsessionnels puissent lutter contre de fortes émotions négatives, notamment l’anxiété, et de faibles niveaux de bien-être (Bonneville-Roussy & Vallerand 2018). Avoir une passion obsessionnelle tend à être motivé pour éviter une mauvaise performance.

Le type alternatif de passion est la passion harmonieuse , qui se caractérise par une persistance souple dans ses activités musicales et une prise de décision auto-contrôlée qui reflète un équilibre sain entre les activités musicales et les autres aspects de la vie. Les musiciens passionnés harmonieux ont tendance à être orientés vers la tâche et s’efforcent d’accomplir quelque chose plutôt que d’éviter les échecs. Ils peuvent avoir des comportements de pratique plus productifs, une plus grande satisfaction de leur niveau de performance global et un bien-être psychologique plus positif.

Je ne crois pas que passionné harmonieux ou passionné obsessionnel soit une sorte de trait de personnalité que les gens ne peuvent pas choisir eux-mêmes. Tout comme «l’orientation» des musiciens est le résultat du type d’objectifs qu’ils choisissent de se fixer, du type de passion qu’ils ressentent, de ce qu’ils pensent de la performance musicale et de la façon dont ils structurent et effectuent leur pratique. Donc, si vous êtes un musicien qui identifie votre objectif comme étant lié à l’ego et votre passion obsessionnelle, que pouvez-vous faire pour changer?

Les musiciens désireux de passer à une orientation vers un objectif lié à une tâche et à une passion harmonieuse feraient bien d’examiner leur point de vue sur les erreurs. Bien sûr, il est des moments où les musiciens doivent identifier leurs faiblesses et élaborer des stratégies pour les améliorer. Nous appelons ces moments «pratique» et «répétition». Mais en dehors de ces séances de travail, se concentrer sur les erreurs de performance est contre-productif et irrationnel. C’est un dicton commun «que l’erreur est humaine» et cela s’applique facilement à l’activité humaine de la production musicale. L’objectif de donner une performance parfaite n’est pas du tout réaliste, et aspirer à vous donner ne vous pousse pas, en fait, à vous amener à votre meilleur résultat possible. Au contraire, les recherches suggèrent qu’un état d’esprit perfectionniste peut être extrêmement néfaste. Le perfectionnisme a souvent pour effet que les interprètes sont préoccupés par la satisfaction des attentes des autres et par la crainte de recevoir des retours négatifs. Ainsi, il peut être très thérapeutique pour les musiciens d’adopter une approche non critique de leur propre musique, d’abandonner tout contrôle et d’accepter les erreurs. Les recherches suggèrent qu’un tel état d’esprit peut renforcer la confiance en soi et atténuer les symptômes d’anxiété de performance (Hatfield, 2016).

Certes, un tel changement de perspective changerait la vie de nombreux musiciens et, en tant que tel, pourrait sembler impossible. Après des années, il peut être naturel d’orienter leurs activités musicales autour d’objectifs d’évitement: éviter les erreurs, éviter les mauvaises performances, éviter les critiques, éviter l’embarras. Mais en évitant intentionnellement ces choses, les interprètes risquent de se priver involontairement de tous les avantages d’une vie musicale.

Les musiciens de spectacle sont parmi les plus dévoués et les plus assidus. Ce dévouement et ce travail acharné les incitent à acquérir de nouvelles compétences en performance et à rechercher de nouvelles expériences musicales qui profitent grandement à leurs talents musicaux. Comme on le voit chez les musiciens passionnés obsédants, toutefois, un dévouement et un travail ardu peuvent également rendre les interprètes plus vulnérables au tracas et à d’autres facteurs de stress dans une vie musicale. Dans de tels cas, le travail difficile nécessaire pour changer peut être particulièrement difficile. Les mêmes musiciens qui ne craignent pas un défi de performance nécessitant des centaines d’heures de pratique risquent de ne pas avoir à faire le difficile travail interne consistant à changer leur état d’esprit en ce qui concerne la performance.

Souvent, le dur labeur nécessaire pour atténuer le trac n’est pas fait dans une salle de répétition ou sur scène pendant une répétition générale, mais plutôt dans les limites de l’esprit. Aussi important que soit la pratique, la pratique supplémentaire n’est pas un élixir magique pour tous les traceurs. En fait, si cela est fait de manière compulsive afin d’éviter des performances gênantes et médiocres, une pratique supplémentaire pourrait en réalité nuire aux performances à long terme. Oui, la pratique améliore vos compétences et fait de vous un meilleur musicien. Cependant, comme mentionné ci-dessus, vos schémas de pensée (vus dans votre motivation et dans la fixation de vos objectifs) peuvent finalement saboter votre potentiel de performance.

Droits d’auteur 2018 Robert H. Woody

Références

Bonneville-Roussy, A. et Vallerand, RJ (2018). La passion au cœur du bien-être des musiciens. (Manuscrit en ligne d’abord dans Psychology of Music ). https://doi.org/10.1177/0305735618797180.

Grossbard, JR, Cumming, SP, Standage, M., Smith, RE et Smoll, FL (2007). La désirabilité sociale et les relations entre les objectifs et l’anxiété de compétition chez les jeunes athlètes. Psychologie du sport et de l’exercice, 8 (4), 491-505.
Hatfield, JL (2016). Jouer au sommet de son jeu musical. Frontiers in Psychology, 7, article 1356. doi: 10.3389 / fpsyg.2016.01356.

Maehr, ML, Pintrich, PR, et Linnenbrink, EA (2002). Motivation et réalisation. Dans R. Colwell & C. Richardson (Eds.), Le nouveau manuel de recherche sur l’enseignement et l’apprentissage de la musique (pp. 348-372). New York: Presse d’Université d’Oxford.

Schmidt, CP (2005). Relations entre la motivation, la performance et les variables de l’expérience musicale chez les étudiants en musique instrumentale secondaire. Journal de recherche en éducation musicale, 53 , 134-147.